Por John Killacky
Esta biografia de Keith Haring é um compêndio de narrativas vívidas em primeira pessoa que fornecem uma perspectiva envolvente sobre a vida do artista.
Radiante: a vida e a linhagem de Keith Haring por Brad Gooch. HarperCollins, 512 páginas, US$ 42.
Brad Gooch é um estimado memorialista, romancista e biógrafo de figuras literárias como Rumi, Flannery O’Connor e Frank O’Hara. Seu último livro é uma análise convincente do notável legado do artista visual Keith Haring.
Gooch foi contemporâneo de Haring – eles habitavam a mesma mise-en-scène estranha na Nova York dos anos 1980. Ele utiliza esse conhecimento imediato com bons resultados. Muito tem sido escrito sobre Haring do ponto de vista da história da arte, mas Gooch acrescenta imensamente à literatura com este retrato contextualizado, sensível e envolvente, que examina a vida e a época do artista icônico.
O biógrafo teve acesso total aos arquivos de Haring e entrevistou mais de 200 pessoas. O resultado é um compêndio de narrativas vívidas em primeira pessoa que fornecem uma perspectiva envolvente sobre a vida do artista. Por se concentrar em amigos e colegas, Gooch oferece menos discurso artístico acadêmico sobre o trabalho e mais histórias de fundo sobre suas inspirações e frustrações.
Crescendo em Kutztown, Pensilvânia, com pais da classe trabalhadora e três irmãs, Haring se descreveu como um “pequeno nerd.” Mesmo quando criança, ele costumava rabiscar desenhos abstratos com seu pai engenheiro. No ensino médio, Haring entregava jornais e por um breve período foi um fanático por Jesus. Ele se tornou um pouco hippie no ensino médio e começou a experimentar drogas.
Depois de se formar, Haring foi brevemente para Pittsburgh para estudar arte, mas desembarcou em Nova York em 1978. Assistente de galeria, ajudante de garçom e porteiro de clube foram alguns de seus primeiros empregos, quando frequentou a Escola de Artes Visuais por dois semestres.
Naquela altura, a cidade falida estava sitiada: os seus muitos problemas incluíam elevada criminalidade e desemprego, quarteirões incendiados, cortes de energia e infra-estruturas em ruínas. Presos nos detritos acumulados, artistas de todas as disciplinas aproveitaram a oportunidade para criar de maneira poliglota e do tipo “faça você mesmo”. Haring pulou ansiosamente na batedeira.
Atraído pela cena emergente do graffiti, Haring começou a desenhar imagens de crianças rastejando e cães latindo em paredes externas e em espaços públicos. Ele também postou folhetos agitprop xeroxados – uma estratégia inspirada nos métodos de corte de William Burroughs.
Haring encontrou uma tribo semelhante na florescente cena noturna do East Village. Gooch detalha as performances gonzo, instalações e vídeos experimentais dos quais participou com amigos – os então desconhecidos Kenny Scharf, Madonna, Ann Magnuson e Jean-Michel Basquiat – em locais como o Club 57 e o Mudd Club.
Keith Haring trabalhando no Museu Stedelijk de Amsterdã em 1986. Foto: Wiki Common
O perfil público de Haring aumentou enormemente depois que ele começou a desenhar com giz branco nos painéis publicitários em branco nas paredes das estações de metrô. Ele saltava de um trem e desenhava à vista do público, evitando furtivamente a prisão. Sob essas circunstâncias aceleradas, suas imagens pictográficas de naves espaciais em movimento, TVs pulsantes, cães latindo, bebês engatinhando, botos saltitantes e rostos sorridentes amadureceram.
Nos cinco anos seguintes, estima-se que ele fez mais de 5.000 desenhos a giz (todos sem assinatura) nos bairros da cidade de Nova York. O fotógrafo Tseng Kwong Chi documentou muitas de suas ações performáticas underground. Eventualmente, alguns desses desenhos foram digitalizados para um outdoor eletrônico na Times Square.
Apesar da crescente atenção, uma revisão inicial do trabalho de Haring em Fórum de arte (1981) foi um tanto desdenhoso: “A Criança Radiante no botão é a etiqueta de Haring. É um colofão elegante da Madison Avenue. Parece que sempre esteve lá. O melhor é inventar algo tão bom que pareça que sempre existiu, como um provérbio.” Em contraste, o artista Roy Lichtenstein foi mais afirmativo: “Simplesmente não existe um movimento em falso. É tudo tão lindamente planejado.”
Galerias, colecionadores e museus começaram a notar a crescente notoriedade de Haring. Sua primeira exposição individual na galeria aconteceu em 1982. Um ano depois, o artista foi apresentado na bienal do Whitney Museum. Logo surgiram convites de instituições da Europa, Austrália e Japão.
Em 1983, Andy Warhol fez amizade com ele. Haring começou a imitar o artista. Eles se falavam regularmente ao telefone, muitas vezes festejavam juntos à noite, colaboravam e trocavam obras de arte. Quando Warhol morreu, Haring declarou: “Tudo o que eu fiz não seria possível sem Andy”.
À medida que a demanda pelo trabalho de Haring aumentou, ele expandiu fortemente sua produção para desenhos a tinta, xilogravuras, pinturas em lonas e madeira, esculturas de alumínio, cenários teatrais e fantasias, bem como esculturas ao ar livre em grande escala para playgrounds e murais para paredes do centro da cidade. clubes e hospitais infantis em todo o mundo. Haring se dedicou a tornar sua arte acessível a um público amplo, fora do domínio elitista e insular de curadores, galerias e museus.
Qualquer que seja o meio ou a escala, Haring manteve o espírito dos seus primeiros desenhos de metro: sem preparação, sem esboços preliminares, apenas traços certeiros no seu estilo inimitável. Entrevistas com galeristas contam uma história repetida: Haring se isolava no espaço expositivo dias antes da inauguração, criando a mostra inteira em massa. Muitas vezes, a tinta ainda estava secando quando o público entrava.
Ao longo de sua vida, Haring cercou-se de crianças. Jovens grafiteiros festejavam com ele em suas casas e estúdios. Colaborou com o adolescente tagger LA II (Angel Ortiz), embelezando estátuas prontas com imagens hieroglíficas, e trabalhou com 1.000 estudantes em um enorme mural celebrando a Estátua da Liberdade (1986). Na biografia de Gooch, também aprendemos mais sobre o lado privado do relacionamento amoroso de Haring com vários afilhados ao redor do mundo.
Keith Haring, Sem título (dança)1967. Foto: Wiki Common
Sexo, amor e drogas também foram um fator importante na vida de Haring (deliciosamente detalhado na reportagem de Gooch). Ele conheceu seu primeiro amante significativo, Juan Dubose, nas Termas de São Marcos. Todo fim de semana a dupla ia ao The Paradise Garage – um clube principalmente para gays negros e latinos. Nenhuma bebida alcoólica foi servida, embora muitos dos participantes da festa usassem acessórios alucinógenos enquanto dançavam a noite toda. Madonna apresentou duas músicas inéditas na festa de 26 anos do artista (1984) no local – apenas para ser ofuscada por Diana Ross fazendo uma serenata para Haring com “Parabéns pra você”.
Tentando manter a acessibilidade ao seu trabalho à medida que os preços de sua arte disparavam, Haring abriu sua Pop Shop (1986) em Manhattan, onde vendia broches, camisetas, calendários, relógios, ímãs e gravuras. Os críticos o criticaram por isso, chamando-o de “decorador de discoteca”. Embora nunca tenha ganhado dinheiro, a Pop Shop permaneceu aberta até 2005 – e mantém uma presença online até hoje. Uma Pop Shop em Tóquio teve menos sucesso; fechou depois de um ano.
Mesmo com o crescimento da sua fama, Haring continuou dedicado ao ativismo popular: desenhando cartazes para comícios anti-nucleares, protestos anti-apartheid, promoções de sexo seguro e eventos para uma infinidade de causas LGBTQ. Durante 1985 Ajuda ao vivo beneficente para o alívio da fome na Etiópia, Haring pintou no palco enquanto Tina Turner, Michael Jackson e Mick Jagger cantavam.
Enquanto trabalhava em Tóquio em 1988, Haring notou lesões roxas na perna; seu status de HIV foi confirmado ao voltar para casa. Usando a sua celebridade como púlpito, ele anunciou publicamente que estava vivendo com AIDS em Pedra rolando um ano depois: “De certa forma, é realmente libertador.… Parte da razão pela qual não estou tendo problemas para enfrentar a realidade da morte é que ela não é uma limitação.… Tudo o que estou fazendo agora é exatamente o que quero. fazer.”
Keith Haring, Madonna e Criança, 1983. Foto de : Dona Ann McAdams
Em vez de desacelerar após o diagnóstico, Haring intensificou sua atividade artística e política. Nos seus diários da altura, ele descreveu a sua vida como “trabalhar obsessivamente e constantemente todos os dias… a única altura em que estou feliz é quando estou a trabalhar”.
Para comemorar o 20º aniversário dos motins de Stonewall em uma exposição de 1989 no Centro Comunitário Lésbico e Gay de Nova York, Haring pintou o banheiro masculino no segundo andar com seu mural “Once Upon A Time”, que celebra o mundo pré-AIDS de desenfreado sexualidade gay masculina.
Haring morreu em 1990, aos 31 anos. Seu serviço memorial na Catedral de São João, o Divino, em Manhattan, contou com a presença de “mais de mil convidados”. A soprano Jessye Norman cantou, a coreógrafa Molissa Fenley dançou e o ator Dennis Hopper elogiou. Kenny Scharf e Ann Magnuson estavam entre os menos reverentes na cerimônia, brincando que “Keith ficaria muito entediado agora”, enquanto recriavam alguns “aja e aja” do Haring’s Club 57 dias.
Ann Temkin, curadora do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, testemunha o interesse cada vez maior no trabalho de Haring após a sua morte: “É uma espécie de truísmo que um trabalho mais radical precisa de cerca de trinta anos para que todos possam acompanhar e para o trabalho parecer contemporâneo naquele momento… Seu trabalho pode parecer atemporal agora.” Em sua nota final, Gooch articula sucintamente o poder transcendente do exemplo e do trabalho de Haring: “Na nossa era de envolvimento de tantos artistas com qualquer superfície disponível; com ícones pessoais e licenciamento; com ativismo, colaboração, comunicação; e com a promoção da comunidade, Keith parece mais do que nunca um de nós.”
John R. Killacky é o autor de “Porque arte: comentários, críticas e conversas.”